QUATRE TRADITIONS DE THÉÂTRE EN TURQUIE *

L'art théâtral en Turquie est censé actuellement pour s'être développé à partir du même recommander religieux, moral et éducatif d'imiter les actions humaines qui ont accompagné sa croissance d'autres pays, en particulier en Grèce antique. Le théâtre d'ombre, qui implique les figures bidimensionnelles moulant son ombre sur un secteur bidimensionnel d'écran, a eu un endroit important en Turquie aussi bien que dans tout le secteur plus grand de l'empire de tabouret. Pour comprendre son endroit jetons un coup d'oeil sur quatre traditions principales de théâtre en Turquie. Ce sont la tradition folklorique de théâtre, la tradition populaire de théâtre, la tradition de théâtre de cour, et la tradition occidentale de théâtre. Afin de comprendre la signification de théâtre turc d'ombre, ceux-ci méritent la brève étude spéciale.
1.Tradition Folklorique De Théâtre.
Le peasantry turc, qui constitue environ trois quarts de la population entière, est l'élément le plus homogène et le plus articulé de la nation, et a tout au long de beaucoup de siècles, maintenus son propre caractère particulier. L'isolement des villages turcs a causé la conservation, sous leurs formes uniques, de danses, d'expositions de marionnette et de jeux ruraux traditionnels. Pendant des festivals publics, un type de drame brut accompagne parfois le chant, dansant un MIME. C'est le plus susceptible un legs des rites religieux antiques, remis vers le bas de la génération de la génération. Peut-être il a provenu des rituels shamanistic de la région d'Ural-Altaic, qui était le lieu de naissance des personnes turques, ou peut-être ce faisait partie de folklore du Phrygian ou des civilisations hittites d'Anatolia. Il est également par celui plusieurs des jeux ruraux d'Anatolian provenus des festivals honorant des dieux tels que Dionysus, Attis et Osiris, ou des mystères égyptiens célébrés d'Eleusis et d'autres endroits. Ces drames montrent fréquemment les éléments symboliques.
Bien qu'aujourd'hui ces jeux ne soient, presque sans exception, déviations pas plus que seules, ils montrent fréquemment les éléments symboliques. En raison des additions, les innovations et les corruptions les siècles, et les augmentations ou les réductions progressives de la fonte des caractères, version standard de ces jeux n'existe pas.
Il y a deux incidents en chef sur lesquels tous les drames folkloriques sont basés. Le premier est la bataille mortelle, dans laquelle un des combattants est tué et plus tard reconstitué à la vie, avec l'aide d'un docteur ou par la magie. Ceci peut très bien être une survie de tels cultes de végétation comme le festival de Dionysus, où dans le dieu de la végétation a été tué, ou lui peut dériver des jours où un roi âgé a été massacré donnent la nouvelle vie au sol. Il n'y a aucune question que ce thème est un symbole dramatisé de l'année d'affaiblissement et sa renaissance comme neuf.
Le deuxième incident concerne l'abduction d'une fille et de son retour certain à une mère s'affligeante, aux parents et aux amis. C'est assurément une adaptation du conte de l'abduction de Persephones par Pluto, et sa réunion suivante avec sa mère, Demeter. Ceci symbolise le cycle annuel de végétation, ou la mort suivie de la vie, comme a été décrété chez Eleusis.
Dans à ces drames folkloriques il y a de lamentation général par les villageois à la mort du combattant, ou l'abduction de la fille, suivie de rejoicing le resurrection de formers ou les latters retournent. Trois ordres principaux habituellement vus dans ces cérémonies saisonnières raffinées sont: (a) La bataille ou le concours; (b) un cortège ou une recherche; (c) le drame lui-même par, décrété personnification et imitation d'animal.
Le premier ordre, entre fréquemment mimed, montre une bataille les groupes ou les individus. C'est une survie des rites phallic antiques dans lesquels les adversaires se sont soulagés dans des luttes symboliques telles que qui entre la vie et la mort, léger et l'obscurité, l'été et l'hiver, l'affaiblissement et la nouvelle année, le père et le fils, ou le vieux roi et les jeunes. Les drames ruraux d'Anatolian incluent souvent l'Arabe, un individu noir-fait face, habillé dans une chèvre noire ou la basane, qui représente la nuit ou l'hiver. Son adversaire, dans le contraste emphatique, est habituellement blanc-barbu et porte une chèvre blanche ou basane.
L'ordre de cortège ou de recherche montre à des hommes ou les peaux animales de port, ou avec les visages noircis, se déplaçant de la maison à la maison. Le jeu qui suit peut avoir lieu à l'intérieur ou devant d'un des maisons, et inclut parfois danser et chanter. Presque tous montrent des dispositifs de terrain communal tels que les visages noircis, suivant la tradition des mystères grecs où les acteurs ont couvert leurs visages de suie. L'autre caractéristique partagée, qui suggèrent les rites antiques de Dionysus, sont l'utilisation des masques d'animal que le port du renard coupe la queue, des peaux de chèvre ou des basanes; les cortèges de phallus enlivened par faux cours inter sexuel, ou une vieille femme portant un berceau. L'événement les rôles d'acteurs sont parfois transférés aux gens chez les déguisements animaux.
Chaque région en Turquie, chaque village a même sa propre danse. En tout, ceux-ci numérotent autour quinze cent, et certains sont en forme de pantomime. Les cinq catégories générales dans lesquelles ceux-ci peuvent être placés sont: le dramatization des actions animales; la routine journalière de la vie de village; l'exaltation de la nature; combat (avec ou sans des armes) et courtship. Aujourd'hui même ces drames, exécutions de marionnette et danses folkloriques turcs contiennent une vaste source d'énergie artistique, qui doit être exploitée si la Turquie doit accumuler une tradition théâtrale nationale forte.
2.Tradition Populaire De Théâtre
Le théâtre turc s'est développé dans deux secteurs géographiques distincts: à vieil Istanbul et d'autres villes, et dans le théâtre populaire de villages était un passe-temps de la bourgeoisie urbaine. Il a été présenté au public par trois classes des interprètes professionnels: acteurs de phase; storytellers et puppeteers (ombre et marionette). Ses traits caractéristiques étaient d'imitation et imitation des particularités dialectales, et l'imitation des animaux par les caractères courants a appelé le taklit, facilement identifié par les assistances en raison de leurs costumes et airs et danses standard de signature. Le comédien, le puppeteer et les certaines actions apprises par coeur par storyteller exprime some dans des couplets rimés) et des scènes décrétées de vie quotidienne, en utilisant l'idiome coloré de leur temps. Il a compté très titre sur des propriétés et à peine du tout sur le paysage. Les hommes ont joué des rôles de womans. Des exécutions ont été données, pas dans les bâtiments spéciaux réglés distants pour le but, mais celui qui elles pourraient être adaptées dans les places publiques, aux festivals nationaux et religieux, aux mariages et aux foires, en yards d'auberges, dans des cafés, dans les tavernes et les résidences privées. Tout a été fait en musique: des allumettes de lutte ont été continuées à l'accompagnement musical, prestidigitateurs exécutés au bruit du tambourine. Les jeux ont eu peu ou pas d'action, dépendant pour des rires du slapstick animé et des monologues ou des dialogues impliquant des calembours, des réponses prêtes, des plaisanteries pratiques brutes, de doubles significations, des malentendus, et des quips interpolés. Il y avait clairement des règles formulées d'intonation. Les exécutions avaient lieu incluent souvent avec des chansons ou des danses, ou toutes les deux.
Pratiquement rien n'est connu du théâtre populaire sous les Turcs d'Anatolian entre les douzièmes et quatorzièmes siècles. L'empereur Palaeologos manuel II de Byzantine enregistre son impression de sa visite à la cour de Sultan Beyazits autrefois avant 1407 et mentionne des compagnies des musiciens, des chanteurs, des danseurs et des acteurs. Une description très tôt d'une exécution dramatique turque peut être trouvée dans la poésie épique de prose. L'Alexiad d'Anna Comnena, la fille la plus âgée de l'empereur Alexius Comnenus, qui décrit dans les mots suivants comment les acteurs à la cour de Seljuk ridiculed son père qui souffrait du gout: "avant n'a jamais fait souffrir l'empereur tellement sévèrement de cette douleur... et des empereurs souffrant en ses pieds, et la difficulté en ses pieds, deviennent le sujet des comédies. D'abord ils personnifieraient l'empereur, puis ils dépeindraient l'empereur lui-même se trouvant sur un divan, et font le jeu de lui. Ces jeux puerile ont réveillé beaucoup de rire parmi les barbares."
La description donne une idée de quelques manifestations de l'instinct dramatique des Turcs de Seljuk au douzième siècle. Avant l'ortaoyunu, qui est le dell'arte turc de commedia, les traces de l'art dramatique turc pourraient fonder des farces, des productions impromptues basées sur les possibilités pleines d'humour de situations rudimentaires, des caractères et des costumes. L'imitation animale a joué un rôle important dans ces productions, le cerf commun étant un caractère principal. Il y avait également les farces occasionnels exécutés dans les rues, toutes les fois qu'il y avait des assistances ou des spectateurs prêts à participer. C'étaient souvent des situations comiques pré-disposées, établies devant des magasins et des maisons en grande partie par des improvisations avec des plaisanteries pratiques insérées sur la dent du moment. Les joueurs, personnifiant des fonctionnaires tels que des percepteurs d'impôt de gardiens et des chasseurs de trésor, ont taquiné des commerçants avec des plaisanteries pratiques pour obtenir l'argent d'elles.
Pendant que le temps allait sur tous ces farces bruts et bruts, si l'oyunu de Kol (jeux de compagnie), ou l'oyunu de Meydan (jeux dans le rond), ou l'oyunu de Taklit (jeux d'imitation), devenaient associés à l'Ortaoyunu. Avant que l'influence du théâtre européen, une plateforme augmentée n'ait été jamais employée comme étape par ces interprètes. Les filles et les garçons dansants étaient tout comme des acteurs et des actrices exécutant pour l'amusement des spectateurs. Elles sont venues de différentes guildes et les compagnies ont appelé le kol ou le cemaat. N'importe qui qui a jamais vu le jeu d'ombre, Karagoz aura noté la similitude entre ses caractères ses éléments comiques, son atmosphère, et ceux de l'Ortaoyunu.
La seule différence est qu'un milieu emploie des marionnettes et les autres acteurs de phase. Sous l'influence occidentale, la tradition riche d'Ortaoyunu plus tard est tombée dans l'affaiblissement et a été par la suite transformée en genre différent de Tuluat appelé par théâtre improvisé. En raison du son de l'expression et de la nature spéciale de son rapport avec les assistances, Ortaoyunu peut s'appeler de présentation ou les non-illusionists. L'acteur ne perd pas son identité en tant qu'acteur et ne montre pas sa conscience à lui aux assistances. L'assistance ne le considère pas comme feignant pour être une vraie personne mais en tant qu'acteur. Le secteur temporaire n'est pas séparé des assistances, il n'y a aucune ligne entre elles, et aucun quatrième mur transparent. Le jeu est exécuté avec à peine n'importe quel paysage du tout dans un cercle où l'assistance entoure les acteurs. Le caractère comique principal viole de temps en temps les conventions dramatiques traditionnelles. Les exécutions d'Ortaoyunu (comme le théâtre d'ombre et storytelling) n'ont aucune parcelle de terrain dans le sens aristotélicien. Elles ont, pour employer la terminologie courante, ouverte de. Elles sont lâches. Structures épisodiques qui n'exigent pas l'attention compulsive des assistances. Chaque épisode est indépendant; par conséquent, dans différentes exécutions, les épisodes peuvent être échangés, ajoutés à ou soustraits de, selon les réactions de l'assistance ou les puppeteer ou la décision de l'acteur, sans déranger le cours général de l'action. Les titres et le scénario de survie montrent des ressemblances et clôturent des parallèles entre les parcelles de terrain de Karagoz et d'Ortaoyunu.
La seconde de de la tradition populaire de théâtre est l'histoire dramatique indiquée par un orateur simple appelé le Meddah (littéralement, éloge-donateur ou panegyrist), un impersonator intelligent qui fait beaucoup de caractères avec des gestes, des modulations de voix et des accents appropriés.
Le tiers de du théâtre populaire est puppetry, y compris le théâtre d'ombre (Karagoz) qui constitue le sujet de cet emplacement actuel, et le théâtre de marionnette et de marionette.
3.Tradition De Théâtre De Cour
À la différence de la plupart des pays asiatiques, la Turquie n'a aucune tradition individualisée et distinctive de théâtre de cour. Jusqu'à la période de Westernized, le théâtre de cour a simplement imité le théâtre populaire. Les amuseurs usuels propres sur l'allover médiéval Anatolian de règles ont eu, naturellement été actifs. Les cours étaient les patrons des compagnies, des danseurs, des acteurs, des storytellers, des clowns, des maîtres de marionnette et des prestidigitateurs. Elles exécuteraient seulement pour l'aristocracy du palais, par conséquent elles étaient plus raffinées et littéraires. Mais la cour a soutenu le divertissement théâtral en dehors du palais aussi bien. La naissance d'un nouveau ou de sa circoncision, d'un mariage de cour, de l'accession d'une nouvelle règle, du triomphe dans une guerre, du départ pour une nouvelle conquête, de l'arrivée d'un ambassadeur étranger bienvenu ou de l'invité, si occasions pour des festivities publics durant parfois aussi longtemps que quarante jours et nuit. Ceux-ci ont atteint le double objectif d'amuser les courtiers et le peuple, et d'impressionner le monde dans son ensemble par un affichage de magnificence. Les festivities ont inclus non seulement des cortèges, des illuminations, des feux d'artifice, des jeux et la chasse équestre, mais également danser, la musique, des recitations poétiques, et des exécutions par des jugglers, des mountebanks et des bouffons. Des reconstitutions historiques ont été données sur les chariots voyants ou sur les chariots ordinaires équipés de grandes-canopied plateformes, chacune qui porte un groupe de guilde exécutant des scènes appropriées touts le commerce ou représenter un arrangement caractéristique. La puissance artistique dont les Turcs ont fourni des preuves à de telles occasions a été atteinte seulement au moyen de ces rapports libres entre toutes les classes qui ont formé le de base de la société turque. Par les influences occidentales au début du 19ème siècle, le Sultans a commencé des théâtres de bâtiment dans leurs palais. Sultan Abdulmecit a construit un théâtre à proximité du palais de Dolmabahce en 1858, et Abdulhamit a construit un théâtre en 1889 dans son palais de Yildiz. Ce dernier bâtiment a survécu. Dans ces derniers, des exécutions théâtrales et operatic ont été données, employant les joueurs professionnels ou d'amateur. En 1909, Abdulhamit avait lieu dethroned et le théâtre de palais a été abandonné après seulement des quelques exécution.
4.Tradition Occidentale De Théâtre
Le développement de la tradition occidentale turque est assez récent, et peut être commodément divisé en trois périodes, qui sont des phases non seulement déterminées par des développements théâtraux, mais également par les changements politiques et constitutionnels: (a) Le premier, de 1839 à 1908 peut s'appeler Tanzimat et la période le Ýstibdat, qui est la réorganisation; (b) La seconde est de 1908 à 1923, la période de la révolution de 1908 et (c) du tiers a lieu de 1923 à aujourd'hui et peut s'appeler la période républicaine.